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La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas ha anunciado los nominados a los Premios Óscar 2019, cuya entrega se realizará en Los Ángeles, California, el próximo 24 de febrero. Las películas con mayores nominaciones son The Favourite y Roma (10 nominaciones), Vice y A Star Is Born (8), Black Panther (7), BlacKkKlansman (6), y Bohemian Rhapsody y Green Book (5). Roma, del director mexicano Alfonso Cuarón se erige como la película favorita para obtener los premios principales luego de ganar los premios de mejor película y mejor director en los Globos de Oro y los premios de la crítica de Hollywood.

La siguiente es la lista de nominados:

Mejor película
  • Black Panther — Kevin Feige
  • BlacKkKlansman — Sean McKittrick, Jason Blum, Raymond Mansfield, Jordan Peele y Spike Lee
  • Bohemian Rhapsody — Graham King
  • The Favourite — Ceci Dempsey, Ed Guiney, Lee Magiday y Yorgos Lanthimos
  • Green Book — Jim Burke, Charles B. Wessler, Brian Hayes Currie, Peter Farrelly y Nick Vallelonga
  • Roma — Gabriela Rodriguez y Alfonso Cuarón
  • A Star Is Born — Bill Gerber, Bradley Cooper y Lynette Howell Taylor
  • Vice — Dede Gardner, Jeremy Kleiner, Adam McKay y Kevin J. Messick
Mejor director
  • Spike Lee – BlacKkKlansman
  • Paweł Pawlikowski – Cold War
  • Yorgos Lanthimos – The Favourite
  • Alfonso Cuarón – Roma
  • Adam McKay – Vice
Mejor actor
  • Christian Bale – Vice, como Dick Cheney
  • Bradley Cooper – A Star Is Born, como Jackson “Jack” Maine
  • Willem Dafoe – At Eternity’s Gate, como Vincent van Gogh
  • Rami Malek – Bohemian Rhapsody, como Freddie Mercury
  • Viggo Mortensen – Green Book, como Frank “Tony Lip” Vallelonga
Mejor actriz
  • Yalitza Aparicio – Roma, como Cleodegaria “Cleo” Gutiérrez
  • Glenn Close – The Wife, como Joan Castleman
  • Olivia Colman – The Favourite, como Ana de Gran Bretaña
  • Lady Gaga – A Star Is Born, como Ally Maine
  • Melissa McCarthy – Can You Ever Forgive Me?, como Lee Israel
Mejor actor de reparto
  • Mahershala Ali – Green Book, como Don Shirley
  • Adam Driver – BlacKkKlansman, como Philip Zimmerman
  • Sam Elliott – A Star Is Born, como Bobby Maine
  • Richard E. Grant – Can You Ever Forgive Me?, como Jack Hock
  • Sam Rockwell – Vice, como George W. Bush
Mejor actriz de reparto
  • Amy Adams – Vice, como Lynne Cheney
  • Marina de Tavira – Roma, como Sofia
  • Regina King – If Beale Street Could Talk, como Sharon Rivers
  • Emma Stone  – The Favourite, como Abigail Masham, Baronesa Masham
  • Rachel Weisz – The Favourite, como Sarah Churchill, Duquesa de Marlborough
Mejor guion original
  • The Favourite – Deborah Davis y Tony McNamara
  • First Reformed – Paul Schrader
  • Green Book – Nick Vallelonga, Brian Currie y Peter Farrelly
  • Roma – Alfonso Cuarón
  • Vice – Adam McKay
Mejor guion adaptado
  • The ballad of Buster Scruggs – Joel Coen e Ethan Coen; basado en la historia corta All Gold Canyon de Jack London
  • BlacKkKlansman – Charlie Wachtel, David Rabinowitz, Kevin Willmott y Spike Lee; basado en el libro de memorias Black Klansman de Ron Stallworth
  • Can You Ever Forgive Me? – Nicole Holofcener y Jeff Whitty; basado en el libro de memorias del mismo nombre de Lee Israel
  • If Beale Street Could Talk – Barry Jenkins; basado en la novela del mismo nombre de James Baldwin
  • A Star Is Born – Eric Roth, Bradley Cooper y Will Fetters; basado en el guion de 1937 escrito por William A. Wellman, Robert Carson, Dorothy Parker y Alan Campbell
Mejor película de animación
  • Los Increíbles 2 – Brad Bird, John Walker y Nicole Paradis Grindle
  • Isla de perros – Wes Anderson, Scott Rudin, Steven Rales y Jeremy Dawson
  • Mirai no Mirai – Mamoru Hosoda y Yūichirō Saitō
  • Ralph Breaks the Internet – Rich Moore, Phil Johnston y Clark Spencer
  • Spider-Man: Un nuevo universo – Bob Persichetti, Peter Ramsey, Rodney Rothman, Phil Lord y Christopher Miller
Mejor película de habla no inglesa
  • Cafarnaúm (Líbano) — Nadine Labaki
  • Cold War (Polonia) — Paweł Pawlikowski
  • Never Look Away (Alemania) — Florian Henckel von Donnersmarck
  • Roma (México) — Alfonso Cuarón
  • Manbiki Kazoku (Japón) — Hirokazu Koreeda
Mejor documental largo
  • Free Solo – Elizabeth Chai Vasarhelyi, Jimmy Chin, Evan Hayes y Shannon Dill
  • Hale County This Morning, This Evening – RaMell Ross, Joslyn Barnes y Su Kim
  • Minding the Gap – Bing Liu y Diane Quon
  • Of Fathers and Sons – Takal Derki, Ansgar Frerich, Eva Kemme y Tobias N. Siebert
  • RBG – Betsy West y Julie Cohen
Mejor documental corto
  • Black Sheep — Ed Perkins
  • End Game — Rob Epstein y Jeffrey Friedman
  • Lifeboat — Skye Fitzgerald
  • A Night at the Garden — Marshall Curry
  • Period. End of Sentence. — Rayka Zehtabchi
Mejor cortometraje
  • Detainment – Vincent Lambe y Darren Mahon
  • Fauve – Jeremy Comte y Maria Gracia Turgeon
  • Marguerite – Marianne Farley y Marie-Hélène Panisset
  • Madre– Rodrigo Sorogoyen y María del Puy Alvarado
  • Skin — Guy Nattiv y Jaime Ray Newman
Mejor cortometraje animado
  • Animal Behaviour – Alison Snowden y David Fine
  • Bao – Domee Shi y Becky Neiman-Cobb
  • Late Afternoon – Louise Bagnall y Nuria González Blanco
  • One Small Step – Andrew Chesworth y Bobby Pontillas
  • Weekends – Trevor Jimenez
Mejor banda sonora
  • Black Panther – Ludwig Göransson
  • BlacKkKlansman – Terence Blanchard
  • If Beale Street Could Talk – Nicholas Britell
  • Isla de perros – Alexandre Desplat
  • Mary Poppins Returns – Marc Shaiman
Mejor canción original
  • «All the Stars» de Black Panther – Música: Mark Spears, Kendrick Lamar Duckworthy Anthony Tiffith; Letra: Kendrick Lamar Duckworth, Anthony Tiffith y Solána Rowe
  • «I’ll Fight» de RBG – Letra y música: Diane Warren
  • «The Place Where Lost Things Go» de Mary Poppins Returns – Letra y música: Marc Shaiman y Scott Wittman
  • «Shallow» de A Star Is Born – Letra y música: Lady Gaga, Mark Ronson, Anthony Rossomando y Andrew Wyatt
  • «When A Cowboy Trades His Spurs For Wings» de The ballad of Buster Scruggs – Letra y música: David Rawlings y Gillian Welch
Mejor edición de sonido
  • Black Panther – Benjamin A. Burtt y Steve Boeddeker
  • Bohemian Rhapsody – John Warhurst y Nina Hartstone
  • First Man – Ai-Ling Lee y Mildred Iatrou Morgan
  • A Quiet Place – Ethan Van der Ryn y Erik Aadahl
  • Roma – Sergio Díaz y Skip Lievsay
Mejor sonido
  • Black Panther – Steve Boeddeker, Brandon Proctor y Peter Devlin
  • Bohemian Rhapsody – Paul Massey, Tim Cavagin y John Casali
  • First Man – Jon Taylor, Frank A. Montaño, Ai-Ling Lee y Mary H. Ellis
  • Roma – Skip Lievsay, Craig Henighan y José Antonio García
  • A Star Is Born – Tom Ozanich, Dean Zupancic, Jason Ruder y Steve Morrow
Mejor diseño de producción
  • Black Panther – Diseño de producción: Hannah Beachler; Decorados: Jay Hart
  • The Favourite – Diseño de producción: Fiona Crombie; Decorados: Alice Felton
  • First Man – Diseño de producción: Nathan Crowley; Decorados: Kathy Lucas
  • Mary Poppins Returns – Diseño de producción: John Myhre; Decorados: Gordon Sim
  • Roma – Diseño de producción: Eugenio Caballero; Decorados: Bárbara Enrı́quez
Mejor fotografía
  • Cold War – Łukasz Żal
  • The Favourite – Robbie Ryan
  • Never Look Away – Caleb Deschanel
  • Roma – Alfonso Cuarón
  • A Star Is Born – Matthew Libatique
Mejor maquillaje
  • Border – Göran Lundström y Pamela Goldammer
  • Mary Queen of Scots – Jenny Shircore, Marc Pilcher y Jessica Brooks
  • Vice – Greg Cannom, Kate Biscoe y Patricia Dehaney
Mejor diseño de vestuario
  • The ballad of Buster Scruggs – Mary Zophres
  • Black Panther – Ruth E. Carter
  • The Favourite – Sandy Powell
  • Mary Poppins Returns – Sandy Powell
  • Mary Queen of Scots – Alexandra Byrne
Mejor montaje
  • BlacKkKlansman – Barry Alexander Brown
  • Bohemian Rhapsody – John Ottman
  • The Favourite – Yorgos Mavropsaridis
  • Green Book – Patrick J. Don Vito
  • Vice – Hank Corwin
Mejores efectos visuales
  • Avengers: Infinity War – Dan DeLeeuw, Kelly Port, Russell Earl y Dan Sudick
  • Christopher Robin – Christopher Lawrence, Michael Eames, Theo Jones y Chris Corbould
  • First Man – Paul Lambert, Ian Hunter, Tristan Myles y J. D. Schwalm
  • Ready Player One – Roger Guyett, Grady Cofer, Matthew E. Butler y David Shirk
  • Han Solo: A Star Wars Story – Rob Bredow, Patrick Tubach, Neal Scanlan y Dominic Tuohy

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ROMPERSE TODA

ene-22-2019, por cinefilo

crítica de ROMA, del director mexicano Alfonso Cuarón. 

 

Por Ignacio Zenteno.

 

No estaremos tranquilos hasta que no hayamos dicho todo,  de una vez por todas, entonces quedaremos en silencio por fin y ya no tendremos miedo a callar.

Louis Ferdinand Céline, Viaje al fin de la noche

Roma comienza con una mirada clavada en la tierra, un piso de baldosas reluciente y cuadriculado. Se escucha el sonido de una ola anticipando la llegada del agua y de la espuma. El plano se inunda. Las olas continúan con regularidad, como en una playa, y la superficie anegada refleja una porción de cielo (su contra-plano). Ahora la mirada está invertida, clavada en lo alto. Otro sonido se confunde con el movimiento de las aguas, una vibración, como de motor, y en el cielo aparece, también reflejada, la travesía de un avión. Todavía no es posible prever la potencia simbólica de la escena pero ya se ven mezclados el cielo y la tierra, el agua y el aire, un sonido primigenio de mar en calma y el rugido amenazador de una metrópolis moderna. El triángulo inaugural de la película se completa con un tercer sonido, una escoba frotada contra el suelo mojado. Es el ruido del trabajo doméstico.

r1 avion

“Un niño cae de la madre en el mundo” dice Pascal Quignard (en un libro enteramente dedicado a perseguir el movimiento primigenio, El origen de la danza en el vientre materno). Eso es la insultio: tirar al suelo, humillar, obligar a bajar la mirada. Ser arrojado por la madre al mundo. Eso es el nacimiento y el principio. Pero lentamente la mirada se levanta de las aguas derramadas y empieza a surgir el escenario, gris y blanco, el patio ¿de la infancia?, donde una mujer se fatiga restregando las baldosas. Así comienza Roma, con una mirada recién caída que, sin embargo, ya puede conectarse con lo alto del cielo y elevarse ella misma, articular un lenguaje para narrar su historia.

roma manguera primera

Lo que cabe preguntar es: ¿la historia de quién? Es decir, ¿a quién pertenece esa mirada? Evidentemente, el foco perceptivo de la película está en Cleo, la protagonista mixteca que sirve en casa de Antonio y Sofía. Ella es la presencia constante de casi todas las escenas. Es la que conecta la vida interior de la familia y la agitación exterior de la ciudad (aunque el portal de la casona donde viven también ejerza esa conexión, en el plano espacial). Es la que atraviesa las diferencias de clase, protegida por su condición de trabajadora doméstica funcional a los grupos acomodados, pero esa misma condición la vuelve una completa “extranjera”: de la ciudad, de los barrios bajos donde busca a Fermín, de la finca gringa donde celebran el año nuevo, ajena incluso de la casa donde sirve. Es el personaje sin tierra, des-terrado, que perdió su origen en el tránsito del campo a la ciudad, del mixteco al español, y que sólo puede volver a él con la memoria o con la lengua: “¿Sabes? Se parece a mi pueblo. Claro, allá está seco, pero se parece. Y así, igual, hacen los animales. Y así suena”. La soledad y el silencio de Cleo son imperturbables, y sólo se rompen cuando habla su idioma con las personas que comparten su condición.

roma 27 campo

Y sin embargo, aunque todos los sonidos que se escuchan lleguen a sus oídos y todas las imágenes que se ven sean vistas también por ella, la mirada de Roma no se confunde con la mirada de Cleo. Es su historia pero no es ella la que se fija en el avión que cruza ese pedazo de cielo reflejado en el suelo. Es, por supuesto, la mirada del niño que vuelve a su infancia “con Cleo” medio siglo después. Toda la película parece surgir de un enorme ejercicio de memoria, de alguien que vuelve al pasado y se esfuerza por reconstruirlo, con precisión (aunque las formas del pasado hayan perdido su color), porque sabe que en esos años se produjo una herida que no debería cerrar. Cincuenta años son suficientes para empezar a olvidar, y el tiempo intenta apagar constantemente los signos del dolor.

roma pepe durmiendo

Roma está fundada en ese retorno. Sus movimientos tienen la cadencia del recuerdo forzado. Avanzan sigilosamente, porque cada objeto de la casa, cada sonido de la ciudad, requiere un esfuerzo desproporcionado con relación a su importancia “secundaria” en el relato. Hay que volver a mirar “como si fuera real”. Cada cosa que aparece tiene la función de generar el escenario más preciso posible para que también el dolor y la culpa puedan surgir con toda su nitidez.

roma sufrimiento de cleo

Si la película está tensionada entre el esfuerzo de revisión y la nostalgia del tiempo perdido, es porque la memoria tiene en sí misma esa totalidad, la condición de regresar, lentamente, una vez liberada, con todo lo que se guarda. No se vuelve al pasado sólo para reconocer que el cuidado maternal de Cleo convivió con el sometimiento cotidiano, ni para reconocer que la violencia masculina quebró la vida de dos mujeres, como quebró la historia de México. Ni aún para reconocer que dicha violencia se filtró en la vida cotidiana de toda la familia, en todas sus relaciones, naturalizando la humillación y la discriminación. Todo eso está “recordado” y “reconocido” en Roma. Pero las peleas y los insultos de los hermanos reaparecen también con los juegos y las golosinas compartidas. Los momentos que quedaron marcados para siempre, esas imágenes “imborrables” que dirigen el avance de la historia, conviven con los detalles “insignificantes” que tiñen el relato de melancolía: el día que papá “se fue de viaje”, con los sonidos constantes de la calle; la vez que una pelea de hermanos casi termina en tragedia, con los gritos preocupados de la abuela; la noticia del divorcio de los padres, con el helado más triste de la vida; y se recuerda con igual precisión el día del terremoto, que la madre llevó a Cleo al hospital, y  su rostro entristecido, el año nuevo que se incendió el bosque en la finca de los primos.

roma cangrejo

“Cada escena parece una fotografía tomada por un artista”, dice la crítica, con ese tono de cursilería diletante que la caracteriza. Y es una observación pertinente, por supuesto. Pero eso que llama “el preciosismo” (o el formalismo, o el esteticismo) de la fotografía no es un capricho millonario que demandó semanas de investigaciones y reconstrucciones milimétricas para conseguir unas cuantas cuadras abarrotas de los años 70 en el D.F. mexicano, o varias copias exactas, desde diferentes perspectivas, de la casona romana donde vivía la familia (Roma es una superproducción, “la película casera más costosa de la historia”, como dijo Steve Golin, el mánager de Alfonso Cuarón). No hay nada en ella que sea transparente, como si fuera “la vida misma” pero filmada por un esteta pretencioso. Cada plano está minuciosamente calculado porque está teñido por los tonos grises de un recuerdo plástico y costoso, porque Roma imita a la memoria.

roma 26 mostro fuego

No hay rastros de ingenuidad en la película, como los hay, constantemente, en el rostro de Cleo. En la última frase de la película ella dice: “Tengo mucho que contarte”. Es su historia pero narrada e imaginada por el niño que regresa a su infancia, aquel que ya sabe lo que sucedió, aunque tenga que imaginarse las escenas y los detalles. Ese niño vuelve con la distancia de medio siglo. Sabe de las heridas propias y ajenas, de las culpas íntimas y sociales. Es consciente. Y por eso la línea estructural de Roma se levanta sobre esos planos fantásticos, casi irreales, que parecen la fantasía y la idealización de un narrador genial embelesado por el pasado, al que sin embargo puede mirar de frente y con el que puede mantener distancia.

roma piedad

La distancia entre Cleo y Roma le da a la película su condición de “friso”, de antiguo trabajo mural, gigantesco y milimétrico, que ahora se pretende filmar. La empresa obliga a recorrerlo parte por parte, buscando lentamente el encadenamiento de sus pequeñas secuencias, con desplazamientos laterales que sigan los movimientos rápidos de Cleo por la ciudad o por la casa, y con encuadres frontales que se detengan unos momentos para entender lo que sucede en todos los planos de cada escena.

roma corrida inicial

El mayor mérito de Roma es haber refundado la memoria, inventando una mirada compleja para imaginar el origen. Así logra combinar el tiempo Histórico y el tiempo de la infancia, los años dolorosos que marcaron la vida de una familia, de su empleada doméstica y de la sociedad mexicana. Se sabe que la ciudad de Roma fue fundada por unos niños que “cayeron” de las aguas, víctimas de la violencia masculina, rescatados por una loba que los amamantó como si fuera una segunda y apócrifa madre. Se sabe que estos niños eran hijos del dios de la guerra y que uno de ellos mató a su hermano, convencido de que la ciudad debía levantarse allí donde las aves del cielo lo habían indicado. Podría decirse que fue éste el primer sacrificio, el primer acto de violencia que la madre patria le pidió a sus hijos para asegurar su propio destino. La violencia imparable de la sociedad y la vulnerabilidad constante de sus hijos podría ser también la piedra fundacional de Roma, la película: el padre los sacrifica pensando en su propia felicidad; la madre los descuida para vivir su drama personal; el soldado mata al niño que le tiró un globo de agua; el terremoto hace caer el techo sobre las incubadoras del hospital; la pelea de los hermanos está muy cerca de matar a uno de ellos con una piedra; el gobierno entrena a una parte de la juventud mexicana para sacrificar a la otra, que está ocupando las calles y poniendo en riesgo el orden de las cosas; y finalmente los hijos de Sofía, los hijos apócrifos de Cleo, están a punto de morir ahogados.

roma 19 bebe escombro

Sin embargo, la violencia y la consecuente vulnerabilidad de los que están más abajo, que se podrían adjudicar a la parte masculina de una cultura, tienen una contraparte femenina y materna que actúa como una pulsión “conservadora”. En Roma la mujer es el refugio húmedo y oscuro que mantiene la vida de sus hijos, que los guarda como en el principio, cuando flotaban en el líquido de su vientre: es la incubadora que soporta los escombros del terremoto; el agua que reúne a las clases sociales para apagar el incendio; el agua que le prometen a los barrios bajos como solución para su miseria; la abuela rogando que no vuelvan a golpear a los estudiantes; es el apoyo laboral y afectivo de las empleadas domésticas ante la ausencia del padre; y es, también, el acto salvador de Cleo y el abrazo que le dan a orillas de la playa.

roma playa

Cleodegaria “Cleo” Gutiérrez concentra en su figura todas las ideas de la maternidad. Resume el elemento acuoso del relato. Y el agua no sólo remite a los fluidos de su vientre sino también a su instrumento de trabajo.  Lava los pisos, los platos, y la ropa, mientras actúa como la segunda madre de la familia protagonista. El drama fundamental de la película, y su paradoja, está en que ella es también la madre primera de una niña que no desea, y condena a su propia hija mientras se sacrifica por los hijos ajenos. Pero lo que Roma deja en evidencia, como un augurio atravesando toda la película, es que Cleo no puede escapar a su condición de víctima y que tampoco su hija podrá evitar ese destino. En su doble condición de mujer y de “extranjera”, Cleo reúne las peores condiciones: está presa de la familia a la que sirve, de su pobreza, de su temor y de su ignorancia. A cada momento la clase, la masculinidad o la cultura imponen su superioridad. Es lo que muestra la entrada en escena de Antonio: sus libreros, sus cuadros, su música clásica, y la ceniza suspendida del cigarrillo con el que estaciona milimétricamente un enorme Galaxy).

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Cleo espera una criatura que ya fue tres veces condenada por su padre: cuando la desconoce, cuando la “golpea” después del entrenamiento, y cuando finalmente le apunta con un arma en la mueblería. La madre se rompe en ese momento. Rompe bolsa o se muere de susto. Deja caer el agua de su vientre o se orina encima. Y en la calle, mientras tanto, los jóvenes mexicanos masacran a sus hermanos y la ciudad se paraliza, las avenidas se colapsan, la sociedad condena nuevamente a esa criatura que ya tenía muy pocas esperanzas.

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Hay roturas que no traen a la vida. La orilla del mar, el sonido de las olas, pueden generar ese sentimiento primigenio de oscura plenitud en el vientre materno y a la misma vez pueden ser el escenario principal de una tragedia que provoque la muerte. A mitad de la película, la noche del año nuevo, a Cleo le sirven un cántaro de “pulquito” para alejarla de su tristeza, para celebrar la vida que lleva adentro, y cuando está a punto de beberlo se le cae de las manos y se rompe contra el suelo. La mirada se detiene en esa imagen. Piensa un momento cómo interpretarla. Podría anticipar la vida o la muerte de su vientre.

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Tal como lo pensó el gobierno mexicano, algo se debe romper para mantener el orden y que todo vuelva a empezar. La bolsa, el cántaro, la vida de los hijos. La escena final es la misma: el patio de la infancia que divide la casona familiar de las dependencias donde viven las empleadas, y la figura de Cleo yendo a lavar la ropa sucia en la terraza. Pero algo cambió. En el medio se contó una historia. Ahora la mirada está erguida, siguiendo su paso por la escalera. El cielo se puede ver directamente y lo mismo el avión que vuelve a cruzarlo, como un augurio. En el fondo suenan los pájaros mezclados con la vibración de una turbina. Podría ser un principio.

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Glass

ene-22-2019, por cinefilo

(Glass; M. Night Shyamalan, 2019)

Glass es, o por lo menos trata de ser, una película de superhéroes diferente. Cuando sus contemporáneos en el género tratan de asombrar (o por lo menos no aburrir) con efectos especiales y acción mayúscula, la nueva película de M. Night Shyamalan imagina qué sería de estos seres extraordinarios si trataran de llevar vidas cotidianas y cómo un mundo saturado de información pero carente en certeza los recibiría. Es inusualmente ambiciosa, también uniendo las historias de otras dos películas escritas y dirigidas por Shyamalan en su propio universo cinematográfico.

Años después ser el único sobreviviente de un aparatoso choque de trenes, con lo que descubrió que poseía una invulnerabilidad sobrehumana–eventos que vimos en El protegido de 2000–David Dunn (Bruce Willis) ahora administra un negocio de seguridad privada al lado de su hijo Joseph (Spencer Treat Clark). Vive en su casa de siempre, contaminada por tristes recuerdos tras la muerte de su esposa por leucemia. David lleva una segunda vida como un vigilante callejero conocido en los medios como el Centinela, castigando crímenes y protegiendo a la gente de Filadelfia, Pensilvania. Joseph lo ayuda desde su computadora a través de un auricular; es el Oracle a su Batman.

Detalles como estos son un ejemplo de Shyamalan haciéndole justicia a sus habilidades. En sus mejores películas ha demostrado ser un director capaz de tomar una premisa fantástica y concreta y desarrollarla con cierto realismo y melancolía. Glass en más de una forma se siente como una película de otro tiempo, una que dedica una secuencia completa a sus créditos de apertura y prefiere tomas estáticas o movimientos premeditados para aumentar el suspenso. Es refrescante ver una película de Hollywood en la que cada colocación de la cámara está planeada con tanto cuidado, buscando construir un espacio geográfico coherente en lugar de fragmentarlo a través de cortes excesivos. Es un recurso que utiliza para gran efecto, nunca mejor que en la introducción de David, cuando atemoriza a dos jóvenes que encontró golpeando por diversión a un hombre adulto.

La premisa de Glass es simple: ¿qué pasa si el Centinela se enfrenta contra la Horda–el villano de Fragmentado de 2017, un joven llamado Kevin Wendell Crumb (James McAvoy) que sufre de trastorno de identidad disociativo y cuenta con un alter ego llamado la Bestia que es tan invulnerable pero más destructivo que el mismo David? ¿Qué pasa cuando una fuerza imparable se encuentra con un objeto inamovible?

David y la Horda se enfrentan en la primera parte de la película, pero son capturados por la policía y la doctora Ellie Staple (Sarah Paulson, inquietante y cautivadora, sus ojos grandes amplificados por los primeros planos en que Shyamalan la encuadra), una psicóloga especializada en delirios de grandeza de gran envergadura. David y la Horda son internados en un hospital psiquiátrico junto con Elijah Price / Señor Glass (Samuel L. Jackson), un paciente de osteogénesis imperfecta y la perturbada mente maestra responsable del choque de trenes del que David salió ileso.

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Ellie tiene la tarea de convencerlos de que los superpoderes que ellos creen tener son en realidad invenciones suyas, productos de traumas sin resolver y una insalubre fijación por la narrativa de los cómics. Es una idea intrigante y hasta cierto grado efectiva, pues el universo construido por las tres películas en la ahora serie siempre fue algo plausible, abierto a una explicación no del todo sobrenatural. Y Shyamalan maneja el tono tan hábilmente que nos convence de que nosotros también queríamos creer ilusamente.

Y sin embargo la película nunca cumple su potencial porque no cuenta con un personaje con el cual identificarnos, ni les da una convincente motivación. El conflicto interno de David, o el juego de poder entre las distintas personalidades de Kevin–la actuación de McAvoy, quien hace de un inquieto niño de nueve años a una mujer seria mujer adulta, es la única verdadera razón para ver la película–se vuelven menos efectivas cuando no son el centro de la historia, como fueron en las películas anteriores. Price, cuyo alter ego le da su nombre a la película, se mantiene catatónico por mucho de ella.

Casey Cooke (Anya Taylor-Joy), la joven que sobrevivió a La Horda en Fragmentado, y la madre de Elijah (Charlayne Woodard), regresan; pero en lugar de ofrecer un necesario punto de vista externo, se convierten en dos piezas más con las que el guion tiene que hacer malabares. Hubiera sido efectivo presentar la historia desde la perspectiva de Ellie, quien al tener que demostrar a sus tres pacientes que no son superhéroes tiene una meta más o menos concreta. Pero esto no es posible, pues la película tiene que preservar uno de sus muchos giros narrativos para el final.

Aunque inicia con algo de promesa, Glass sucumbe a dos de los mayores problemas del cine de superhéroes contemporáneo: está más interesada en construir un universo compartido que en contar su propia historia y confunde el llamar atención a sus clichés con ingenio. El final, en su intento de sentar las bases para algo más, hace que la trilogía se siente como una muy alargada historia de origen. Las numerosas formas en que sus personajes tratan de señalar cómo lo que pasa se parece a un cómic, rápidamente se torna enfadoso. Glass trata de ser un tributo a la narrativa de los cómics, balanceando la distorsión que crean de nuestro mundo real con cómo ellas inspiran lo mejor de nosotros. Es un mensaje que debería sentirse triunfal, pero se pierde en una película más interesada en su universo que en la historia que quiere contar.

★★1/2

Hollywood (CNN Español) — Para una película que los críticos han alabado y que al público divi

CHARLES CHAPLIN

ene-22-2019, por cinefilo

“La vida es maravillosa si no se le tiene miedo”

Charlie Spencer Chaplin nació en Londres el 16 de abril de 1889, poco tiempo después se convirtió en un icono del cine del siglo XX. Protagonizó y dirigió un gran número de películas conocidas en todo el mundo. Nadie puede discutir que fue un genio de los pies al sombrero: su grandeza y elocuencia a la hora de contar historias es incomparable y magistral. Creó el personaje de Charlot, aquel memorable vagabundo con sombrero y bigote más conocido del cine mudo.

Su primera aparición en el cine fue en la película Making a Living en 1914. Pocos años después, en 1921, realizó su primer largometraje, El chico, que tiene alguna que otra pincelada autobiográfica y en la que mezcla comedia con toques de tragedia. Esta película, en la que Charlie abordó el trabajo de director, guionista, productor y actor, es considerada una película cultural e histórica.

En 1925 realizó la película por la que él quería ser recordado, La quimera del oro, una de sus tantas obras maestras y sin ninguna duda, una de las mejores películas de la historia. Tan importante fue esta película para él que en 1942 la reestrenó añadiéndole sonido.

Chaplin rechazaba la idea de la introducción del sonido en el cine, pues para él suponía un paso atrás. Tenía las ideas claras y por ello en 1931, aún habiendo llegado el sonido al cine, rueda su famosa película Luces de la ciudad, una película muda y entrañable que no deja indiferente a nadie. Considerada una de sus mejores, esta película nos cuenta la historia de un vagabundo que se enamora de una mujer ciega que le toma por millonario. Con una fotografía impecable y una actuación magistral de Chaplin podemos destacarla como una de sus obras cumbre y más emotivas.

Tenía un gran sentido del humor, me atrevo a decir que fue uno de los grandes humoristas de su época, tenía una visión y una manera de contar la vida única e inigualable. Su forma de hacer crítica también era muy particular. El gran dictador, la película que hizo en 1940 en la que parodia a Hitler, le supuso una avalancha de críticas, fue su primera película hablada y tuvo un gran éxito. Sin embargo, se prohibió en varios países, en su mayoría europeos que no querían romper su neutralidad.

Estas y muchas películas más, son lo que hoy en día hacen del él un maestro del cine y del humor.

Charlie falleció en 1977, el día de Navidad, pero siempre nos quedará Charlot.

Sara Padreda Buendía.