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Pablo Marín Escudero | Cine   La puerta de no retorno, (Santiago Zannou, 2011)

Con este documental (2011) Santiago Zannou se ha adelantado varios años al cine español sobre inmigración y anticipa un ciclo que probablemente aun se demore al menos una década en comenzar a dar regularmente sus frutos. El premiado cineasta madrileño abre así una puerta, sin duda muy necesaria, para el inicio de la superación de buena parte de los lugares comunes del cine de no-ficción español que se ha querido aproximar al trabajador migrante hasta el momento. Por fin – y es un comienzo- España produce un documental hecho por un español que deja de utilizar al migrante para hablar de sí misma, por lo menos en los términos ya conocidos hasta ahora. Éste es el gran valor de la película, su soplo de aire fresco.

Zannou pone las bases para superar el cine documental de la mirada estupefacta y colonial, paternalista y obsesionada por reafirmar la imagen impecable del español confundido ante la caducidad de los viejos fundamentos de su identidad nacional, el español piadoso frente al desdichado, victimizado e infantilizado migrante, con su atributo de mano de obra barata borrado por un impecable envoltorio de humanitarismo, que no parecía más que una gratificación narcisista del sujeto cultural español a sí mismo.

El film es una historia de perdón, de redención materno filial y paterno filial entre africanos, en África. El desarraigo en la voz y en la mirada del migrante que vuelve a su origen cuarenta años después de su llegada a España, ya en la vejez. Un drama íntimo narrado en lo que convencionalmente llamaríamos primera persona. Una narración que navega sobre el llanto incesante del protagonista que, como Odiseo, no volvió a tiempo para ver de nuevo a su madre, a la que ahora visita en su tumba, como parte de un ritual de desagravio. Un migrante que tampoco volvió a tiempo a su madre patria, a la que apenas reconoce ya. Hay mucho en el film de encuentro y diálogo con los muertos, con el pasado, con la historia.

En efecto, estamos ante la búsqueda del perdón de una madre, confundida con la tierra, con la madre patria, el lugar simbólico y real de la expiación de lo que el protagonista considera su culpa. Traicionar a la madre para cuidar de sus hijos, traicionar África por una Europa soñada que, al final también golpea fuerte. El acto migratorio como traición no es un elemento nuevo en el documental español sobre inmigración reciente, pero aquí se presenta en una vertiente intimista, lejos de una pretensión ideológica pedagógica, diríamos, fuerte. Aún así, en una secuencia el protagonista cuenta un cuento en que invita a los niños a estudiar para arreglar su país, desechando implícitamente la empresa migratoria desde el lugar común de su ilegitimidad, una idea siempre digna de señalamiento ideológico, por escorar la realidad hacia el mito de El Dorado, en tanto que mala conciencia del colonizador, siempre transferida a la supuesta ambición del colonizado, en este caso el inmigrante.

El comienzo del film tiene un valor que no se debe pasar por alto para una comprensión profunda de la película: durante unos segundos el director del filme, hijo del protagonista, da instrucciones a su padre acerca de cómo expresarse ante la cámara. Esto hace pensar que la historia del perdón del protagonista ante la tumba de su madre trascurra en paralelo a otra historia de ajuste paterno-filial, entre un protagonista y un director (hijo) que desea que lo que se dice en el filme, sea dicho.

El ritual prescrito al protagonista en el marco de una ceremonia animista consiste es coger tierra del lugar de nacimiento de su madre y esparcirla sobre la tumba de esta, es decir, es una ceremonia de restitución a su madre a la tierra de su lugar de origen. Él regresa a su tierra para hacer a su madre regresar a su propia tierra, se trata de conectar personas con el lugar del que provienen, de restituir esa conexión que se ha roto. El lugar de origen aparece sacralizado como lazo indisoluble y abiertamente confundido con la filiación. Ante la tumba de su madre depositan la tierra de donde ella, inmigrante interior, nació. Regresan a la madre, puerta de no retorno que les alumbró a un mundo de explotadores y explotados.

Los valores de la película, nos hacen no prestar demasiada atención a otras cuestiones que, tal vez, dentro de unos años no jueguen a favor de la puesta en valor del film, cuando llegue el momento en que se produzca en España con normalidad cine más maduro sobre inmigración o hecho por inmigrantes. En este sentido se podrá objetar lo artificioso y en ocasiones algo forzado que pueda resultar el permanente pensar en voz alta del protagonista. Tal vez inducido por un ansia verbocéntrica del director, aspecto enfático que no hace bien al film. También se puede decir que el deseo del migrante no termina de estar claro, porque Alphonse parece navegar su mar de lágrimas llevado por una corriente doble: por un lado el deseo de su madre muerta y por otro el deseo de su hijo de enfrentarle con su pasado. ¿Y su deseo, el deseo del migrante que lo instituiría como sujeto?

En otro nivel, la mirada, pese a sus valores, es también la manida mirada europea sobre África que no puede dejar de transitar por los ya conocidos lugares comunes del paisaje, los ritos tribales, la miseria, la cámara lenta para observar a ciertos grupos como por ejemplo los niños, la miseria, los ritos, el paisaje y las irrenunciables vistas aéreas.

No obstante este aspecto se ve de sobra compensado por la aparición de un continente africano que además de rural es urbano (cuestión normalmente invisible o tachada por la mirada colonial europea en su visión de África imaginada), que además de animista es católico y musulmán sin que de ello se derive conflicto alguno y donde los idiomas autóctonos y coloniales entran en contacto con naturalidad. Tenemos además, un África que un español puede mirar bajo ritmo de blues igualmente. Un África que no es una oscura selva tribal, sino la clara trastienda del capitalismo. El racismo de los blancos europeos puede además ser señalado sin tapujos con el valor añadido de no convertirse en centro temático del filme, sino algo dado en el discurso del africano. “Europa ha sido dura conmigo por ser negro”, “a ellos les importa el color”, “hoy en día ser negro siegue siendo muy difícil” dice el protagonista.

Las raíces de dolor y violencia de la historia familiar emergen y se conectan con la sugerente alusión final a la esclavitud: “desde esta puerta salían los esclavos para nunca más volver”. Esa es, en lo literal, la puerta de no retorno del título, el monumento en Ouidah (Benín) al lugar por donde salían los esclavos, que en este contexto conecta las migraciones inducidas por el capitalismo globalizado con una analogía esclavista que conviene no olvidar.

De izquierda a derecha, el director y productor español Álvaro Longoria, la productora Lilly Hartley

La tragedia de una sociedad

sep-5-2012 By cinefilo

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LUIS GARZÓN GUILLÉN

Los niños salvajes. Dirección: Patricia Ferreira. Intérpretes: Àlex Monner, Marina Comas, Albert Baró, Aina Clotet, Ana Fernández, Marc Rodríguez, Francesc Orella, Clara Segura.

El cine español tiene en las películas sobre niños y adolescentes uno de sus principales filones desde tiempo inmemorial. La multitud de historias sobre la guerra civil vista desde los ojos de un niño o niña (Secretos del corazón, El viaje de Carol, El laberinto del fauno, Pa negre, etc.) han consolidado una tradición en el cine español consistente en “explicar” el conflicto de 1936-1939 desde la mirada infantil. Por eso no es sorprendente que ante otro tipo de conflicto, la crisis económica y social actual, el cine español elija también la mirada de los niños- adolescentes. Los niños salvajes destaca por mostrar como viven la crisis actual las escuelas y las familias desde la perspectiva de tres adolescentes.

Alex (Àlex Monner) es un chico con fama de problemático, hijo de una pareja que regenta un bar, con unas dotes insospechadas para el arte urbano. Gabi (Albert Baró) es un joven sensible abrumado por la presión de un padre obsesionado por el Kickboxing.

Oki (Marina Comas) es una chica cuyos padres, una pareja de clase media-alta, la presionan para el éxito al tiempo que le niegan el afecto. El encuentro de estos tres “niños salvajes” desencadenará unos hechos tras las cuales no será posible la vuelta atrás.

A través de un personaje que intenta comprender a estos “niños”, la psicóloga del instituto al que asisten, Julia (Aina Clotet), vemos las dificultades que experimenta el sistema educativo para dar respuesta a demandas conflictivas en tiempos de recortes presupuestarios. Los profesores, por su parte, tienen diferentes actitudes respecto a estos alumnos difíciles, con la postura mas extrema representada por Vicens (Marc Rodríguez), que considera que no se debe “premiar a los peores”.

Mientras tanto los padres se debaten entre el intento de comprensión lastrado por los propios problemas económicos (es el caso del personaje de Ana Fernández) y la presión por el éxito y el consumo que ejercen los padres de Oki (Francesc Orella y Clara Segura). Situaciones que nos hablan de una sociedad enferma, de una sociedad de nuevos ricos incapaz de conciliar las demandas de una economía cada vez más competitiva con las necesidades de afecto y expresión de unos jóvenes demasiado diferentes a sus padres.

Otro de los grandes aciertos de Ferreira, que aquí ejerce de directora y guionista, es mostrar las diferentes formas de educar y aprender a través de, respectivamente, el arte, el deporte y la ciencia. Así, el personaje de Alex sabe que tiene unos dones artísticos importantes, pero se ve lastrado por la incomprensión de sus padres sobre la “utilidad” de dichos dones. Gabi se ve presionado a la competitividad salvaje de un deporte como el Kickboxing, totalmente contrario a su naturaleza. Oki, aparentemente la más privilegiada, sufre también la presión de un profesor de ciencias para el cual “solo hay una respuesta correcta”. El resultado será una tragedia que es también la tragedia de una sociedad, la catalana y española, obligada a reinventarse en tiempos de crisis.

Los niños salvajes es un film altamente recomendable.

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Luis Garzón Guillén (Navarcles, Barcelona, 1976) es Doctor en Sociología por la Universidad Autónoma de Barcelona y la Universita di Milano- Bicocca (Italia) (2006). Título de tesis: Trayectorias e integración de la inmigración argentina y ecuatoriana en Barcelona y Milano. Diplomatura de Postgrado en Ciencia Política en la Universidad de Barcelona (2000) y Licenciado en Sociología por la Universidad Autónoma de Barcelona (1999).

Imagen: © Distinto Films, Televisió de Catalunya, Áralan Films S.L.

Para los que aún no los vieron, los dos trailers oficiales (subtitulados al español) de Superman: Th

De Focus Features y LAIKA, las compañías detrás de Coraline y la Puerta Secreta, viene la comedia de suspenso ParaNorman-Una Historia de Fantasmas, Brujas y una Maldición, la segunda película animada en stop-motion o cuadro a cuadro realizada en LAIKA en 3D, uniendo esas dos asombrosas expresiones artísticas para relatar una espeluznante nueva historia tremendamente divertida, mágica, emocionante y cómica.
ParaNorman-Una Historia de Fantasmas, Brujas y una Maldición está ambientada en el poblado de Blithe Hollow, cuyos habitantes se benefician de la historia del pueblo minero como el sitio en que hubo una famosa cacería de brujas 300 años antes.  Norman Babcock (la voz de Kodi Smit-McPhee en la versión hablada en inglés y subtitulada en español y la voz de Emilio Treviño en la versión totalmente doblada al español) pasa gran parte de su vida diaria apreciando los detalles más relevantes de las películas de miedo y estudiando populares cuentos de fantasmas.  Es más, Norman posee la habilidad de ver y hablar con los espíritus de los muertos, tales como su adorada abuela (la voz de Elaine Stritch en la versión hablada en inglés y subtitulada en español y Ángeles Bravo en la versión totalmente doblada al español).  La mayoría de los días, él prefiere la compañía de ellos a la de su nervioso padre, su despistada madre y de Courtney (la voz de Anna Kendrick en la versión hablada en inglés y subtitulada en español y la voz de Christine Byrd en la versión totalmente doblada al español), su superficial hermana mayor.  En la escuela, Norman trata de pasar desapercibido ante el abusador Alvin (la voz de Christopher Mintz-Plasse en la versión hablada en inglés y subtitulada en español y la voz de Abraham Vega en la versión totalmente doblada al español), comparte sus secretos con el susceptible Neil (la voz de Tucker Albrizzi en la versión hablada en inglés y subtitulada en español y la voz de Iván Bastidas en la versión totalmente doblada al español) y trata no prestarle mucha atención a la Señorita Henscher (la voz de Alex Borstein en la versión hablada en inglés y subtitulada en español y la voz de Magda Ginner en la versión totalmente doblada al español), su petulante maestra.

Norman es inesperadamente contactado por su extraño tío Prenderghast (la voz de John Goodman en la versión hablada en inglés y subtitulada en español y la voz de Arturo Mercado Chacón en la versión totalmente doblada al español), quien lo deja estupefacto cuando le revela que la milenaria maldición de una bruja es real y está a punto de convertirse en realidad y que únicamente Norman es capaz de evitar que se materialice frenéticamente y haga daño a los habitantes de Blithe Hollow.  Una vez que un septeto de zombies (la voz de Bernard Hill en la versión hablada en inglés y subtitulada en español y la voz de José María Negri en la versión totalmente doblada al español) súbitamente se levanta de sus tumbas, Norman empieza una desenfrenada carrera contra el tiempo junto a Courtney, Alvin, Neil y Mitch (la voz de Casey Affleck en la versión hablada en inglés y subtitulada en español y la voz de Víctor Ugarte en la versión totalmente doblada al español), el musculoso hermano mayor de Neil, al mismo tiempo que la alguacil Hooper (la voz de Tempestt Bledsoe en la versión hablada en inglés y subtitulada en español y la voz de Olga Hnidey en la versión totalmente doblada al español) los persigue a todos.  Peor aún, el poblado se levanta en armas y toma todas las armas que encuentra para defenderse.

Norman valientemente busca dentro de sí mismo todo lo que un héroe necesita, el coraje y la compasión, a medida que sus poderes paranormales son empujados a sus límites sobrenaturales.
Focus Features presenta una producción LAIKA, ParaNorman-Una Historia de Fantasmas, Brujas y una Maldición.  Diseño del vestuario por Deborah Cook.  Música por Jon Brion.  Edición fílmica por Christopher Murrie, A.C.E.  Diseño de la producción por Nelson Lowry.  El director de fotografía es Tristan Oliver.  La película es producida por Arianne Sutner, Travis Knight y escrita por Chris Butler.Es dirigida por Sam Fell, Chris Butler y es distribuida internacionalmente por Universal Pictures.
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